Маленькие миры на большом экране

Старевич - "Талисман" 1.19

Старевич — «Талисман»

В то время как Виллис О’Брайэн использовал стоп моушен (stop-motion) для создания спецэффектов, на другой стороне земного шара Ладислав Старевич (родился в Москве в 1882 году в польско-литовской семье) превратил этот метод из технической новинки в самостоятельный вид искусства, так же как Уолт Дисней сделал это с рисованной анимацией. У Старевича была страсть к искусству и энтомологии, он коллекционировал и изучал виды насекомых. Во время работы на студии Ханжонкова в России он начал снимать документальные фильмы о жуках. Его ранние попытки заставить жуков делать то, что он хочет, под светом ламп были неудачны и, вдохновленный фильмом Эмиля Коля «Заколдованные спички», он вставил проволоку в забальзамированных жуков и начал снимать их. Никогда прежде в России эта техника не применялась к настоящим насекомым, и многие зрители полагали, что жуки были выдрессированы с помощью какой-то необычной формы науки. В одном из самых смешных своих фильмов «Месть кинооператора» (1912) Старевичем рассказана повесть о романе насекомых, живущих в пригороде. Это была первая из известных сегодня попыток рассказать историю с помощью исключительно stop-motion кукол.

Успех этих «энтомологических» фильмов позволил Старевичу создавать более качественные куклы с использованием металла, дерева, войлока и замши. После революции он иммигрировал в Париж (в 1920-м), где начал выпускать два-три фильма в год. Вдохновением для его сюжетов служили восточноевропейский фольклор и сказки. Он снимал фильмы разной направленности — от детских, как «Голос соловья» (1923; приз Хьюго Розенфилд 1925-го года), до эксцентричных и мрачных фэнтази, как «Цветы папоротника» (1950). Уровень детализации кукол и эмоции, которые Старевич был способен дать своим куклам, был потрясающими для того времени, особенно в фильмах с несколькими персонажами, как например «Старый лев» (1932). В этом фильме был летающий слон — за девять лет до диснеевского «Дамбо»(1941), а в его «Магических часах» 1928-го года он снял свою собственную дочь, убегающую от руки гиганта — так же как в «Кинг Конге» 1933-го года. Эти сцены — всего лишь некоторые примеры того, насколько Старевич был впереди своего времени, и какое влияние он оказал на других аниматоров. Во многих его фильмах использовалась техника размытия: для достижения плавного движения кукол на кусок стекла, установленного перед камерой, наносился тонкий слой вазелина.

Один из самых известных и технически совершенных фильмов Старевича «Талисман» (1.19) был выпущен в 1933 году, в том же, что и «Кинг Конг». Снятый как художественный фильм с «живым» действием, он рассказывал историю о том, как игрушечная собачка отправляется на поиски апельсина для маленькой голодной девочки, и заканчивается вечеринкой, устроенной дьяволом и его гостями. Мрачная изобразительность «Кошмара перед Рождеством» и современных сказок об оживающих игрушках (например, «Тряпичная Энн» или «История игрушек») однозначно возникли под влиянием «Талисмана» и других фильмов талантливого художника. Многие фильмы Старевича потеряны, но многие сохранились и сегодня являются источником вдохновения для аниматоров.

"Восстание игрушек" Хермина Тырлова 1.20В то время как Старевич жил и работал во Франции, в Чехословакии также начинался расцвет кукольной анимации. Чехословакия имеет древнюю традицию кукольного искусства, которая перешла в синематограф, как только появилась техника «остановленного движения». Чешский стиль кукольных фильмов отличается от натурализма, выбранного Старевичем и О’Брайэном, в первую очередь способом изображения лиц персонажей. Поскольку чешские фильмы во многом являются продолжением традиции кукольного театра, лица у кукол постоянно неподвижны, а актерская игра выражается в движении тела. Кукольный театр использовал эту технику веками, чтобы публика даже на самых дальних рядах могла понимать, что происходит. Синематограф «приблизил» кукол к зрителю, и теперь их создатели могли использовать различные замысловатые способы для передачи чувств и эмоций своих персонажей. Тем не менее, большинство чешских кукольных фильмов по-прежнему делают акцент на лирические качества, основанные на языке тела в сочетании с музыкой и сюжетом. Одним из пионеров чешской кукольной мультипликации была Хермина Тырлова, которая сделала серию фильмов на студии «Зилн». Начав с рекламных и трюковых фильмов в 20-х годах, она прославилась экранизациями сказочных сюжетов, таких как «Муравей Ферда» (1944) и короткометражной антинацистской пропагандой «Восстание Кукол» (1945, выпущен в 1947; 1.20), и продолжила делать фильмы для детей до 70-х годов. В 1946 Тырлова работала над созданием фильма «Рождественский сон» с другим видными чешским аниматором, Карлом Зиманом, который снимал фантастические фильмы, совмещающие кукол с настоящим действием и другими спецэффектами, например, «Потрясающий мир Жюля Верна» (1958).

Когда карьера Тырловой в кукольной мультипликации только начиналась, художник по имени Йиржи Трнка делал рисованную анимацию, но в итоге перешел на кукольную. Трнка стал одним из самых плодотворных чешских аниматоров и оказал огромное влияние на развитие stop-motion метода. В 1946 он открыл свою собственную кукольную студию, которая в итоге превратилась в «тренировочный центр» для целой плеяды чешских аниматоров. Фильмы самого Трнки в большинстве основывались на чешских народных сказках и обычаях. Многие из них вызвали парадоксальную реакцию со стороны коммунистического правительства, которое ценило его работу и поддерживало его финансово, но в то же время пыталось диктовать ему темы и содержание фильмов и запрещало к показу то, с чем было несогласно. Некоторые фильмы, например, «Архангел Гавриил и госпожа Гусь» (1964), были запрещены как религиозная пропаганда. Трнка хотел не только изучать религиозную образность, но выйти за рамки чешских легенд и истории — он экранизировал Шекспира и испанские сказки. Его попытки публика встретила смешанной реакцией, поскольку, создавая качественные произведения искусства, он в то же время пренебрегал примитивными интересами большинства аудитории. Разочарования, которые Трнка пережил в течение своей карьеры, важны для понимания того, что противоречие в индустрии анимации, необязательно между художником и правительством, но между искусством и бизнесом, будет существовать всегда. Художники, работающие на больших студиях, вынуждены мириться с мнением начальства, которое часто ничего не знает об искусстве и хвалит художников только тогда, когда их творчество приносит деньги. Последний фильм Трнки «Рука» (1965) был метафорическим конспектом его карьеры и борьбы художника с правительством диктатуры. Главное действующее лицо — кукольный художник, который постоянно направляется гигантской рукой делать скульптуру этой руки. Художник упорно отказывается, в итоге рука окончательно лишает его свободы, и он умирает, после чего рука воздает ему честь государственными похоронами.

Трнка оказал значительное влияние на многих своих современников- аниматоров, среди которых был и Ян Сванкмайер. Сванкмайер — один из самых известных аниматоров, работавших в традициях Трнки и вместе с ним, но его фильмы выходят за рамки традиционного чешского кукольного стиля и поднимаются до самых причудливых фантасмагорий, что когда-либо были на экране. Многие его фильмы основаны на ночных кошмарах и снах и часто сочетают настоящее действие, с куклами и «оживлением» мертвых животных, мяса, еды. Все возможно в фильмах Сванкмайэра, обычно обращавшегося к мрачным темам и политическим комментариям, что весьма традиционно для чешского искусства. Его самая известная работа -фильм 1988 года «Алиса» совмещает stop-motion с игровым кино и основан на легендарной истории Льюиса Кэрролла. Это самая непоследовательная и самая непохожая на все другие экранизация. Влияние его фильмов наиболее очевидно в работах двух братьев из Филадельфии, известных как Братья Квэй (Стивен и Тимоти), которые начали свою карьеру в 1979-м году. Они выпустили свои самые известные фильмы в Лондоне — это фильмы-сновидения с нелинейным сюжетом, в которых использовались различные предметы, игрушки и куклы — все это выглядело старым и гниющими. Мрачные образы братьев Квэй в свою очередь оказали сильное влияние на многие современные рок-видео Tool, Nine Inch Nails, и других групп — хотя большинство чешских фильмов этого жанра неизвестны в современной Америке, их следы отчетливо видны в самых неожиданных областях поп-культуры. Студия Трнки также была прибежищем для аниматоров из других стран, например, для Кихачиро Кавамото из Японии, который совместил традиционный чешский стиль с популярной в Японии кукольной техникой бунраку. Ко Ходмэн — аниматор из Нидерландов, иммигрировавший в Канаду, учился с Трнкой в Чехословакии в 1970-м. Затем он вернулся в Канаду, чтобы снимать для National Film Board, и создал много фильмов, основанных на легендах инуитов, например, «Сова и лемминг» (1971). В 1977 Ходмэн сделал фильм, получивший Оскара, — короткометражный «Песочный замок» (1.21), и с тех пор был весьма успешен, снимая фильмы о социальных и экологических проблемах, а также сериалы для детей.

Песочный замок 1.21

Ходмэн — редкий современный пример аниматора, черпающего вдохновение из европейской традиции и продолжающего ее в Америке. Государственное канадское агентство National Film Board похоже на европейские в отношении государственного финансирования экспериментального кино. Исторически идея создания stop-motion фильмов для кинотеатров получила развитие в Европе. Одна из причин этого в том, что в Европе традиция кукольного театра ведется со Средних Веков, например, популярное странствующее шоу Панча и Джуди. В Америке первые эксперименты скоро превратились в целую индустрию спецэффектов, и метод стал использоваться в сфере развлечений. Производство фильмов было поставлено на контрактную основу. Кинотеатры выкупали фильмы у студий в специальном «пакетном» формате, который включал в себя киножурнал, несколько короткометражных игровых фильмов и короткий анимационный фильм. Быстрый «оборот» таких наборов означал, что анимация должна делаться быстрее и дешевле, и было очевидно, что рисованная анимация является боле подходящим методом для такого «конвейерного» метода дистрибьюции. Таким образом, в Америке stop-motion метод использовался в основном для спецэффектов художественных фильмов, вроде Кинг-Конга. В Европе же не было такого «пакетного» метода дистрибьюции, и отношение к фильмам было как к искусству, как к повествованию, часто имеющему целью донести до публики соображения автора по социальным или политическим вопросам.

Видным аниматором-пионером, который принес эту традицию из Европы в Америку, был уроженец Венгрии Джордж Пал. Он создал свою первую мульт-студию в Праге в 1933-м году и начал делать фильмы с куклами, так как не смог найти специального фотоаппарата для съемки рисунков. Его первые коммерческие проекты были успешны, и он открыл магазин в Голландии, где продолжил делать короткую анимированную рекламу и короткометражки. Ему принадлежит авторство новой техники в покадровой анимации — техники замещения. В этом методе вместо того, чтобы сделать одну куклу и манипулировать ей, делаются несколько разных версий одной куклы — каждая создается с небольшим отличием от предыдущей. То есть куклы просто меняют перед камерой в определенном порядке. Часто анимацию создают сначала на бумаге, а затем, в полном соответствии с рисунками, вырезают трехмерные деревянные куклы, что позволяет воспроизвести в stop-motion текучий и подвижный стиль рисованной анимации. С одной куклой это было бы невозможно. Некоторым персонажам иногда требуется более ста разных вариантов, для создания широкого спектра движений. Публике нравился этот уникальный стиль, и когда Philips Radio в Америке заметили это, то стали финансировать фильмы Пала. В 1939, когда нацисты вторглись в Польшу, Джордж Пал уехал в Америку, подписав контракт с Paramount Studios, и организовал первую кукольную студию в Голливуде, где создал несколько серий мультфильма, названного «Кукломульт» (1.22).

Кукломульт 1.22

Один из лучших фильмов Пала «Тюльпаны должны расти» (1942) был автобиографическим рассказом о нападении нацистов. Вторая Мировая война вдохновила многих аниматоров на создание пропагандистских мультфильмов, один из них — «Заройте топор войны» Луи Бьюнина, где «играли» куклы Гитлера, Муссолини, и Хирохито. В ряду фильмов, выполненных в этом жанре, фильмы Пэла просто уникальны. Молодая голландская пара танцует рядом с мельницей, когда начинается вторжение армии «болванов». Во время всеобщего хаоса пару разлучают, и персонаж-мужчина находит убежище в ближайшей церкви. Он молит о дожде, дождь начинается, и металлические солдаты ржавеют. Молодые любовники воссоединяются, продолжают танцевать, замечая при этом, что «тюльпаны должны расти всегда». Оптимизм в военное время стал фирменным стилем работы Пала. Другим его исторически выдающимся фильмом стал «Джон Генри и Инки Пу» 1946-го года, основанный на американской народной сказке о легендарном работнике железной дороге. Анимация того периода, включая популярный сериал Пала о молодом афро-американском мальчике по имени Джаспер, в основном изображает черных персонажей, однобоко и политически некорректно по сегодняшним меркам. «Джон Генри» был одним из первых мультфильмов, изображающих афро-американских персонажей с достоинством и уважением в надежде отвлечь публику от расистских карикатур, которые тогда были довольно обычным делом.

В то время как затраты на «Кукломульт» росли, прибыль, которую приносил проект, падала, так как эти очаровательные мультфильмы не могли сравниться с гримасами звезд рисованной мультипликации Томом и Джерри. Лучший урок, который аниматор может извлечь из карьеры Джорджа Пала сегодня — он уделили внимание развивающемуся направлению и понял, что короткометражки для кинотеатров не всегда будут популярны. Художественные фильмы стали для него способом продолжить карьеру, и он использовал опыт, полученный на «Кукломульте», в создании миниатюрных моделей и специальных эффектов для художественных фильмов. Его работа в фильмах «Пункт назначения — Луна» (1950) «Война миров» (1953) и «Машина времени» (1960) позволила в дальнейшем успешно использовать спецэффекты в таких фильмах как «Звездные войны», таким образом, влияние Джорджа Пала не ограничивалось пределами королевства кукольного кино.

Закрыто по понедельникам 1.23После Второй Мировой войны, мультфильмы в Америке постепенно прекратили использовать как часть «пакета», дополняющего художественный фильм, а стали снимать их для телевидения, школ, или для узкого круга людей, собирающихся со всего мира на фестивалях или других похожих мероприятиях. Сегодня, благодаря популярности кинофестивалей, создание коротких фильмов исключительно в технике stop-motion — обычное дело во всем мире. Академия отмечала лучшие короткометражные анимационные фильмы специальным Оскаром каждый год в категории «Лучший мультфильм», но в 1975-м году изменила название категории на «Лучший короткометражный мультфильм». Это произошло потому, что фильм-победитель этого года не был «мультфильмом» в традиционном смысле, но был первым stop-motion пластилиновым фильмом, завоевавшим Оскара. Это был фильм «Закрыто по понедельникам» Вила Винтона и Боба Гарднера (см. иллюстрацию 1.23), сделанный полностью из пластилина, о пьянице, который блуждает в закрытом музее и наблюдает, искусство в различных иррациональных состояниях. В одной сцене он случайно включает говорящего робота, который начинает трансформироваться в случайные объекты и затем таять, в то время как пьяница восклицает: «Болтающий компьютер!» (Веселый и довольно пророческий комментарий о современных технологиях!)

Новаторская техника «Закрыто по понедельникам», состоявшая в использовании пластилина, с целью достижения реализма в диалоге и выражении эмоций, никогда прежде не использовалась в stop-motion. Получив Оскар, Винтон создал свою собственную студию в Портленде, Орегон (Will Vinton Studios), и продолжил делать короткие фильмы в этой технике, которую он зарегистрировал как торговую марку под названием «сlaymation». Популярность работы Винтона демонстрирует тот факт, что термин «сlaymation» стал настолько общепринятым, что часто используется для обозначения техники stop-motion в целом, даже для тех фильмов, которые и вовсе не используют пластилин. Винтон собрал команду талантливых художников и аниматоров, включая Бэри Брюса, и совершенствовал свою технику, создав великолепные работы, такие как «Мартин башмачник» (1977), «Рождественский Подарок» (1980), и «Великий Конито» (1982).

Тем временем, в Великобритании школьники по имени Питер Лорд и Дэвид Спрокстон начали создавать свои первые пластилиновые мультфильмы, что привело в конечном итоге к открытию мультипликационной студии Aardman. Поскольку пластилин показал себя так хорошо передающим все тонкости диалога, в 70-ых они создали серию фильмов под названием «Анимационные беседы», которые были основаны на импровизированных интервью и записях разговоров. Несколько аниматоров, таких как Барри Пурвэ и Ричард Голесовски, в конечном счете посвятили себя студии Aardman, и участвовали в создании множества фильмов различных стилей для телевидения и кинофестивалей. Но самым ценным приобретением для студии был Ник Парк, который сделал пластилиновый мультфильм для школьного и национального каналов «Большая прогулка», о человеке по имени Уоллес и его собаке Громит, и их путешествии на Луну. Aardman наняли Парка на неполный рабочий день для съемок рекламы, в то же время ему помогли завершить его 30-минутный фильм, съемки которого заняли в целом 6 лет. Несколько позже, в 1989-м, Парк создал собственную версию «Анимационных бесед», «Земные блага», где импровизированный диалог об условиях жизни в Англии вложил в уста животных зоопарка. Пятиминутный мультфильм пользовался огромным успехом и принес Нику Парку его первый Оскар. После «Земных благ» и «Большой прогулки», которая тоже принесла автору несколько престижных наград, Парк приступил к съемкам получасового фильма на Aardman про Уоллеса и Громита «Неправильные штаны». Это была захватывающая история с таинственным пингвином, похищением драгоценного камня, и парой механических штанов. Это был еще один успешный мультфильм, который в 1993-м году обошел фестивали и телевизионные каналы всего мира. «Неправильные штаны» и продолжение 1995-го года «Чистое бритье» снова принесли Нику парку Оскаров, превратив, таким образом, Aardman в одну из самых успешных stop-motion студий в мире.

Мой перевод из книги канадского стоп моушен аниматора Ken A. Priebe “The art of stop-motion animation”

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *